Archivo de la categoría ‘Crítica’

Siempre me han gustado los dramas-judiciales, era la típica persona que cuando veía que emitían por la televisión películas como Algunos hombres buenos se quedaba clavada en el sofá y la volvía a ver aunque ya la hubiera visto decenas de veces –aún me pongo tensa con la famosa escena de Tom Cruise y Jack Nicholson-. La conspiración no es más que eso, un drama judicial situado en un contexto histórico interesante –al menos para los estadounidenses-: el magnicidio del presidente Abraham Lincoln, y los protagonistas del film, es decir el centro de la misma, no es ni el presidente ni su asesino y conspiradores, sino la primera mujer que fue condenada a muerte en E.E.U.U.: Mary Surrat y su abogado, Frederick Aiken. Sin embargo, aunque el espectador puede considerar que Robert Redford posee una historia cuanto menos interesante a la que se le puede sacar bastante jugo, éste no puede más que pensar que la cinta le ha dejado un regusto de insatisfacción que le lleva a dudar sobre si lo que ha visto es bueno o malo.

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Eva nos ofrece la incursión del cine español en el genero de ciencia ficción. Sobre todo en la temática de la robótica y la inteligencia artificial.  se ha convertido en una película, que se ha basado en un presupuesto de cuatro millones de euros, para ofrecer una alternativa cuyos efectos visuales no tienen nada que envidiar a alguna que otra película de la industria yanqui.

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Típica, llena de errores, de estereotipos, malas actuaciones, con un guión lo suficientemente común como para descartarla por completo de la calidad que no tiene, de verdad se me hace difícil encontrarle algo digno de resaltar. Zoe Saldana extremadamente flaca, piensas en anorexia y es poco, con un intento algo fallido de poner “cara dura” y “matona”; un casting desconocido y, al parecer, buscaron todos los actores que “no sepan actuar”, con una banda sonora fuera de lugar con melodías que no van al paso, y cuando intenta hacerlo solo encuentra desentonar con la mediocridad de la imagen que acompaña y que solo intenta entretener, cosa que, como la película en general, vuelve a FALLAR. Una Femme Nikita bastante débil, bastante inexpresiva, bastante aburrida. Con la calidad de películas como HANNAH con Saoirse Ronan o SALT con Angelina Jolie, COLOMBIANA solo puede llegar a la triste realidad de que el cine “palomitero” está muriendo, para el beneficio de nosotros los cinéfilos.

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En esta segunda parte del especial “Sagas incompletas” abordaremos otras 6 películas que no han encontrado continuidad en los cines, pero algunos de estos films se diferencian de los anteriores en que entrarían más en lo que podríamos llamar “franquicia”. Este grupo tiene algunas peculiaridades, y es que normalmente la trama no se plantea como una única historia dividida en varias partes como ocurre en el caso de las sagas convencionales: aquí las continuaciones pueden funcionar de forma independiente, donde el principal nexo de unión es el protagonista. El objetivo más importante para una franquicia es el de crear una marca, un universo claramente identificable e interesante donde no solo tenga cabida la historia del personaje central, también spin-off de otros secundarios, pre-cuelas, historias paralelas en otros medios distintos al cine como cómics, videojuegos, novelas, etc.

Después de estas distinciones, echemos un vistazo al estado de 6 películas cuyas secuelas, al igual que en el especial anterior, se están haciendo esperar por los seguidores de las aventuras fantásticas:

· Prince of Persia. Las arenas del tiempo (Mike Newell, 2010): No hay noticias sobre “Prince of Persia. El alma del guerrero”, la segunda parte de esta adaptación de la trilogía de videojuegos. Estaba previsto que esta cinta producida por Jerry Bruckheimer fuese el sustituto cinematográfico de la serie Piratas del Caribe, pero su escaso éxito taquillero (335 millones de recaudación frente a 200 de presupuesto) produjo que el famoso productor se olvidara de ella y volviera a apostar sobre seguro con la 4ª parte de las aventuras de Jack Sparrow. El film contaba con una ambientación espectacular, acción constante y sobre todo mucho sentido del humor; y aunque el ritmo tenía algunos altibajos, podemos decir que es una película de aventuras en toda regla. La secuela sería muy bienvenida.

· Van Helsing (Stephen Sommers, 2004): este es el ejemplo perfecto de franquicia fallida, puesto que había unos planes muy ambiciosos para/con este personaje: coincidiendo con su estreno en cines se lanzó al mercado doméstico un corto de animación, “Van Helsing: misión en Londres”, que tendría que haberse convertido en una serie de televisión, pero nunca lo hizo… y se tenía en mente producir cuantas más secuelas mejor sobre un éxito que se creía seguro, puesto que había muchas esperanzas en el director de las nuevas versiones de La Momia. El éxito en taquilla no fue espectacular pero sí rentable para continuar con una secuela (costó 160 millones y acumuló 300 a nivel mundial), pero esta vez las críticas feroces tanto de los profesionales como por parte del público provocó desconfianza en la marca, por lo que desde entonces no se tienen noticias sobre una posible resurrección de esta nueva visión del famoso cazavampiros. Hay que decir que la película se mereció el varapalo de los críticos, puesto que aunque Hugh Jackman desprendiera un gran carisma y que los efectos especiales fueran de primera, esta cinta es un espectáculo aparatoso en el mal sentido, además de que el guión es un pastiche lleno de situaciones absurdas.

· Pitch Black y Las crónicas de Riddick (David Twohy, 2000 y 2004): ingresó en cines lo que costó: poco más de 100 millones. Este hecho provocó que esta secuela de Pitch Black no se convirtiera en una prolífica saga, que ya contaba en el momento de su estreno con un corto de animación llamado “Dark Fury”, que conectaba la 1ª con la 2ª parte. Y aunque en todos estos años no han parado de surgir noticias sobre una nueva entrega, parece ser que esta vez sí que llegará: se espera que el rodaje comience dentro de poco con vistas a estrenarla en 2012 con el título de “Chronicles of Riddick: Dead Man Stalking”. Sin embargo, hay que decir que la producción contará con un menor presupuesto que la espectacular 2ª parte, algo que se verá compensado con una calificación PG-18 que ayudará a ambientar una entrega que promete una mayor dosis de violencia, acercándola espiritualmente más al primer capítulo. Las dos películas presentadas hasta el momento resultaron ser grandes entretenimientos llenos de pura adrenalina, por lo que sin duda estamos ante una gran noticia para el seguidor de la Sci-Fi, pues el personaje interpretado por Vin Diesel tiene un enorme potencial.

· Hellboy y Hellboy 2. El ejército dorado (Guillermo del toro, 2004 y 2008): esta es una saga que inexplicablemente aún no cuenta con una 3ª y ¿última? parte, puesto que fueron un éxito tanto de público como de crítica. Las últimas noticias al respecto datan de hace ya bastante tiempo: primero el director Guillermo del Toro comentó en una entrevista que el actor protagonista Ron Perlman, no quería volver a interpretar su papel porque estaba harto de las interminables sesiones de maquillaje requeridas para convertirlo en el demonio rojo. Y después, el mismo actor, comentó a los mismos medios que no sabía a qué esperaba el director mejicano para empezar la producción de la nueva secuela, pues tal y como acabó la segunda (con algún cabo suelto en la historia) le haría un flaco favor a la trilogía. Nada más desde entonces, así que habrá que seguir esperando. Desde luego, las dos entregas cinematográficas adaptadas del cómic supusieron un soplo de aire fresco dentro del panorama del blockbuster, pues a la maestría narrativa de Del Toro se le unía un guión muy divertido, una dirección artística gótica muy atractiva y, sobre todo, un uso inteligente de los efectos especiales, los cuales mezclaban con sabiduría CGI de última generación con técnicas artesanales a modo de marionetas, maquillaje, etc. Así pues, crucemos los dedos para que “Hellboy 3” sea el siguiente largometraje del director.

· La máscara del Zorro y La leyenda del Zorro (Martin Campbell, 1998 y 2005): fueron dos grandes éxitos de taquilla, por lo que se desconocen las razones por las que no se ha producido aún el estreno de una nueva aventura del Zorro, y es que ya sabemos que en Hollywood todo lo bueno tiene que venir de tres en tres. Hace muy poco, Sony Pictures anunció el registro de varios títulos relacionados con la saga, tales como “The forging of Zorro” o “Zorro: the legend begins”, los dos apuntando más a un reboot que a una continuación a las dos primeras partes. Sobre las películas dirigidas por el excelente director, hay que decir que la primera de ellas es una muestra del mejor cine de aventuras, pues hay en ella emoción, ritmo, una gran factura técnica y un reparto de estrellas en estado de gracia; sin embargo, en la segunda entrega no encontramos muchas de estas virtudes, pues la historia resulta poco interesante, toda la cinta se ve afectada de un tono infantil muy molesto y la falta de más acción provoca el aburrimiento en el espectador. Por tanto, el futuro de la esta saga es toda una incógnita, aunque es seguro que la franquicia seguirá de un modo u otro.

· Conan el bárbaro (Marcus Nispel, 2011): ha sido uno de los más grandes desastres comerciales del año, por lo que pensar en una secuela debería ser harto improbable. Sobre esta cuestión hay que decir que antes del estreno del film, el actor que encarna al nuevo Conan, Jason Momoa, declaró en una entrevista que él mismo había ya escrito el guión para una segunda parte. Más allá de estas declaraciones, aún no se conoce si este intento de nueva saga tendrá o no continuación en la gran pantalla, aunque existe la posibilidad de que se realice un spin-off sobre Red Sonja, otro personaje importante dentro del mundo del bárbaro cimmerio. A falta de haberla visto, no puedo valorar si se trata de una ocasión perdida de resucitar para el cine a uno de los mejores personajes de la literatura universal o, como parecía vislumbrar al menos en ocasiones el tráiler de lanzamiento, de una adaptación fiel al espíritu de la inmortal obra de Robert E. Howard. En todo caso, creo que el fracaso en taquilla es una mala noticia no solo para el personaje, sino para todo un género como es la fantasía heroica, el cual se encuentra en una profunda sequía de títulos desde hace muchos años.

Y con este repaso concluimos el especial “Sagas incompletas”, el cual recordemos se ha centrado sobre todo en el ámbito del fantástico, por lo que han quedado fuera muchas otras sagas o franquicias que tal vez tengan cabida en otro artículo dedicado. En cuanto a futuras nuevas incorporaciones a este género fantástico, ya se atisban en el horizonte las adaptaciones de El juego de Ender y Los juegos del hambre entre otras muchas. Estaremos atentos aquí en LibreCinéfilo.

Partamos de una premisa clara: no vamos a hablar de cine de calidad sino de la adaptación de uno de las sagas literarias más vendidas en los últimos tiempos y, para colmo, la del que quizá sea el peor de los libros. A eso se une otro factor: con la saga Crepúsculo no hay término medio: la amas o la odias; y entre los fans se une un segundo factor: no todo el mundo ve con buenos ojos la adaptación cinematográfica por no considerarla a la altura. Personalmente no tengo problemas para decir que me leí los libros al igual que he visto las películas y, si en ambos casos la primera entrega me pareció la mejor, no quita para reconocer las virtudes de Amanecer I.

A veces uno se pregunta si realmente la financiación pública del cine es correcta en España. Y no pocas veces, películas como “La Isla del Infierno” (Javier Fernández-Caldas, 1998) demuestran que no solo es incorrecta, es que llega a ser aberrante. La cinta en cuestión, que contó con gran financiación del Gobierno de Canarias se adentra –supuestamente- en la conquista de las Canarias al narrar la historia de un esclavo canario, que tras 20 años cautivo en la Península, intenta volver las islas como polizón en un barco que se dirige a Cabo Verde. Pero lo hace con unas interpretaciones lamentables en la que destaca por su baja calidad la del difunto José Conde. Totalmente sobreactuado, con diálogos impropios de un largometraje estrenado en gran pantalla y una ambientación histórica que hace llorar de pena –ni siquiera de risa- al ver a caballeros templarios a bordo de una nave que va a la conquista de Cabo Verde en el siglo XVI.

Uno se plantea, entonces, porqué se financió el film, y la respuesta la encuentra en esta manía de los españoles de tener “un algo propio” (cine andaluz, catalán, vasco, canario,…) en el que se muestre su propia historia, su propia idiosincrasia, su lengua, etc… Ha pasado con las películas de Benito Zambrano, donde se ha exagerado el acento andaluz hasta resultar ridículo y acabar disminuyendo una cinta de la (alta) calidad de La voz dormida. Claro que la maestría de Zambrano se deja ver en el film andaluz, mientras que la de Fernández Caldas parece ser inexistente. Y solo con el tráiler podrán ustedes hacerse una idea de lo que hablamos.

Y como este son cientos los casos de cintas financiadas por los gobiernos españoles (tanto centrales como autonómicos) que no gozan de calidad suficiente para ser llevadas a las pantallas. Si bien cierto tufillo nacionalista y la situación de los “godos” como los malos de la película han hecho que “esto” si se estrene en Canarias con cierto éxito y dejando claro que no se trata de una cinta histórica sino de aventuras y ciencia ficción –con tintes humorísticos, aporto yo para intentar entender el engendro-. Al final, uno llega a la conclusión de que la financiación pública está matando a nuestro cine. ¡ay!, ojalá fuéramos suecos.

La mirada de Irene, la mirada de Benjamin, la mirada de Isidoro, y la mirada de Alex esconden algo. Durante poco mas de 120 minutos iras descubriendo con escenas prodigiosamente contadas y escenificadas como en los años 70´en el país clásico de Argentina, la corrupción y la satisfacción personal convierte a cualquier persona en el justiciero del nuevo siglo. Buscando pistas y culpables, encontrándolos sin más para llevarse el "chasco" de una justicia impalpable, que mas que justicia, fue un "premio" para el culpable. Un guion majestuosamente escrito teniendo de fondo una hermosa historia de amor de palabras lindas nunca contadas encierra "los secretos de sus ojos", una película justamente galardonada por la calidad con la que fue hecha. Una camarografía destacada por sobre todas las cosas, unas actuaciones delirantes y reconfortantes, que nos hace ver que el cine holliwoodense se está quedando atrás, mientras el cine latino remarca su lugar y le impone la competencia con buenos métodos e historias originales y bien recibidas por el público. El mundo necesita más de estas historias y menos "depredadores" filmicos ni remakes hechos sin ganas. Totalmente recomendable esta película con una banda sonora digna de ser escuchada.

“Perteneces aquí”

Una película que hay que ver, y posiblemente una de esas cuya valoración depende del animo con el que la viste. “Tiernamente” o “ternura”, nombres con los que en Latinoamérica fue tomada, trata la historia de un asesino "hecho en casa", un asesino con "razones" para serlo, un asesino "impulsado a serlo por las drogas que su madre le daba, en la adolescencia, para poder contenerlo". Un asesino con la mente un poco dañada bajo los efectos de unos estupefacientes dados con “mucho cariño”. No es un película comercial, ni galardonada, ni mucho menos bien vista por la crítica. Pero yo les puedo decir que de "mala" no tiene mucho, que se puede pasar un buen rato con esta puesta en escena habitual y un tanto exagerada, actuaciones muy bien hechas por el verdugo Russel Crow y un Ben Foster mucho mas serio y maduro con un papel que le va muy bien. Con algunas escenas destacables y una banda sonora no perfecta pero que cumple, seguramente será un descanso del ya fastidioso palomiterismo que hoy día desespera tanto.

El final es muy bueno, impensado, lo que la hace una película "POCO PREDECIBLE", y eso la hace interesante.

La voz dormida representa casi todo lo que me gusta del cine español. En primer lugar, su ambientación en nuestra historia más reciente, concretamente la posguerra española. Hay muchas películas que se sitúan en ese contexto como Las 13 rosas, Silencio roto, Pa negre o que se sitúan en un contexto cercano como Salvador o Luz de domingo, todas ellas películas extraordinarias. La voz dormida se sitúa en ese momento en el que la dictadura se dedica a hacer limpieza y decide matar a todo aquel que piensa diferente o que se relaciona con el que piensa diferente y lo hace contándola historia de la hermana de una muchacha que está en la cárcel porque su marido es comunista, al igual que ella, y que está embarazada. La historia, que es una adaptación de una novela homónima, es realmente sobre acogedora hasta el punto que es inevitable pensar que se busca el drama fácil en determinadas escenas, especialmente en la escena en que la muchacha encarcelada le canta a la hermana, una escena sin sentido que busca el llanto fácil.

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Malick es uno de esos directores que no deja indiferente, o le odias o le amas, pero no existe el término medio. Y eso conlleva subjetividad y, sobre todo, un breve periodo de reflexión antes de escribir sobre sus obras. Les reconozco que yo soy de los que adoro a este genio muchas veces incomprendido y tan poco dado a mostrarnos su arte. Recordemos que Terrence Malick, tan sólo tenía cuatro largometraje dirigidos hasta “El árbol de la vida” –“Malas Tierras” (1973); “Días del cielo” (1978); “La delgada línea roja” (1998) y “El nuevo mundo” (2005)-, y todos ellos con un marcado carácter personal que las hacia únicas y lejanas al cine comercial.

La obra de Malick destaca por una cuidad fotografía y paisajes naturales tan bellos que se hacen parte fundamental de la cinta, incluso por encima de los actores. Ese es otro de los aspectos más destacados de Malick, al contrario que ocurre en la gran mayoría de obras, aquí el director no está al servicio de los actores, estos llegan incluso a ser prescindibles en el contexto de una historia, de un pensamiento, que es el que centra el film. Porque Malick es un filósofo de nuevo cuño, que no expresa sus ideas a través del papel sino que lo hace desde el metraje de sus obras. Sí en “La delgada línea roja” creaba un canto anti-belicista en una de las mejores obras bélicas de todos los tiempos, en “El árbol de la vida” nos muestra su personal visión del mundo, y lo hace cargándola de silencios, llevados de la mano de la voz en off que suele acompañar a sus obras, y de una banda sonora que por sí misma se hace imprescindible dejándonos uno de los momentos más hermosos vistos en el cine este año 2011: la creación del universo, en la que Jack O’Brien (Hunter McCracken) da pequeñas pinceladas de la idea que subyace en toda la película: la pequeñez del ser humano frente a la creación divina.

Y esa idea es tan compleja como la propia película que se hace incomprensible para algunos espectadores que no han dudado en abandonar las salas (algunos cines han llegado a devolver las entradas o cambiarlas por otras). Si bien, personalmente, creo que esto se deriva del único error de la película: los carteles promocionales, que han dado a Brad Pitt y Sean Penn un peso que no le correspondía pues en “El árbol de la vida” ellos son dos piezas más de un amplísimo engranaje. Pero han sido muchos los que fueron al cine llevados por dos rostros conocidos pero sin haber visto nada de Malick antes y eso, irremediablemente, conlleva un choque. Malick no es un autor comercial, tampoco busca el aplauso de la crítica, simple y llanamente rueda aquello que quiere contar, como lo quiere contar y sin importarle que aquellos a los que se lo cuenta logren o no entenderlo.

Salvando las distancias, Malick es un genio abstracto en un mundo hiperrealista. Y eso le hace grande, quizá mucho más de lo que sería jamás si fuera un director convencional. A Dios gracias no lo es y nos deja obra maestras para disfrutar sin importar el tiempo que pase sobre ellas.