War Horse, o Caballo de batalla, no es sólo la historia de un caballo y su dueño (Albert Narracott interpretado por Jeremy Irvine) sino que se basa en un hecho histórico que pasa desapercibido en los estudios históricos, la muerte de miles de caballos durante la Primera Guerra Mundial. Es cierto que el vínculo amo y dueño se mantiene hasta el final, sin embargo, aunque ese vínculo pueda ser el centro de la historia y el espectador espere con ansia el reencuentro, los diversos momentos por los que pasa el caballo mantiene al espectador fijo en la butaca sufriendo por el destino de dicho animal. La historia ha sido tratada con gran cuidado dando como resultado una emotiva película provocando que más de uno salga llorando del cine.

Y es por ello que el gran valor de War horse recae en la forma de transmitir la historia en la gran pantalla y no en la interpretación de los actores. Es fácil escribir un libro relatando las aventuras de un animal y mantener atento al lector, pero no es fácil llevarlo a la pantalla donde, generalmente, los consumidores no saben apreciar lo que están viendo, bien porque desconocían lo que iban a ver o simplemente porque no les gusta. Con War horse se ha logrado llevar a pantalla la historia de un animal sni caer en el aburrimiento, por el contario, la historia del caballo mantiene al espectador en vilo esperando el trágico final del mismo.

Al ser el caballo la principal figura de la historia, sin duda alguna es él el principal actor del film, y lo cierto es que han sabido hacerlo tan bién que el espectador no puede quedar más que asombrado ante el talento del animal/ o animales ante la pantalla. En ocasiones hay momentos que puedes suponer lo que el animal piensa y siente sin necesidad alguna de palabra, por lo que se aprecia aún más el trabajo que hay detrás de ello. Obviamente no sólo el caballo tiene sus méritos, habría que destacar también el papel de Jeremy Irvine que interpreta de manera decente al dueño del caballo, es posible que éste pueda tener un gran futuro en el cine, sin embargo no creo que este sea un papel para lucirse. Lo mismo podría decirse de Emily Watson, que hace un gran papel en los pocos minutos en los que aparece. Lo cierto es que, no es de esas películas donde el valor de la misma recaiga en el elenco -y War horse cuenta con un gran elenco: Niels Arestrup, David Thewlis, Tom Hiddleston conocido por Lokki en Thor o Benedict Cumberbatch conocido por la serie de la BBC “Sherlock”) y en la capacidad interpretativa de los mismos, sino más bien en la forma de transmitir la historia y en eso War horse acierta de pleno y el espectador no se sentirá insatisfecho después de verla.

Hay películas que merecen sesudas críticas que vayan desglosando las virtudes y defectos de la cinta. Otras que ni tan siquiera merecen ser criticadas y unas pocas que solo necesitan una palabra para definirla. “La Dama de Hierro” es de estas últimas: soberbia. Es más, si Meryl Streep no gana el Oscar a la mejor actriz este año, prometo dinamitar la Academia.

Porque Meryl Streep se echa sobre la cabeza el sombrero de Margart Tatcher y la humaniza. Se transforma en uno de los personajes más controvertidos del siglo XX y hace que sintamos lástima por ella. Emociona ver a La Dama de Hierro en el cuerpo de esta Dama de la Escena. Anciana, decrepita, con alucinaciones y preguntándose si su vida realmente ha valido para algo. En menos de dos horas la cinta nos muestra la evolución de la joven hija del tendero que llegó a convertirse en la mujer más poderosa del mundo. Y lo hace sin dejar nada de lado, entremezclando la ficción con las durísimas imágenes de las huelgas mineras, de las bombas del IRA o de la guerra de las Malvinas. Y Meryl Streep nos muestra, basándose en la biografía de la propia protagonista, las duras consecuencias personales que conllevaron ciertas decisiones.  Y la evolución de la visión sobre su figura política desde la admiración mostrada por su coraje hasta la soledad que conllevó ser relegada del gobierno por su propio partido por su intransigencia.

“La Dama de Hierro” es un canto a la madurez, a la vejez interpretativa. La demostración palpable de que actrices que parecen abocadas a un segundo plano en el cine actual de jóvenes-guapos poseen una capacidad interpretativa que tardaremos en volver a recuperar. Meryl Streep entra de lleno y por meritos propios en el Olimpo de los más grandes, dejando una interpretación que pasará al recuerdo colectivo del cinefilo. Y también demuestra que en la era del 3D una buena película, una historia bien contada y bien dirigida no necesita artificios para hacer cine. Para emocionar en una sala al espectador.

Y les reconozco que yo me he emocioné al ver la película. Sentí el dolor de las familias al saber de sus hijos muertos en batalla; reaccione indignado ante las brutales cargas policiales; sentí indignación por los atentados del IRA; y, sobre todo, sentí envidia por la existencia de una casta de políticos que pusieron el interés general por encima de las ambiciones personales. Y eso que M. Tatcher antepuso su carrera política a su familia y su vida personal. La película cuenta con una magnifica realización que, pese a los continuos flash back y alucinaciones de Margaret Tatcher, hacen que la vida de la Primera Ministra pueda seguirse sin problemas, desglosando la historia reciente de Inglaterra de forma magistral.

Sin duda, una de la mejor opción para los que gusten de cine de calidad, con interpretaciones soberbias –que no hayamos hablado de los secundarios no quiere decir que no estén a nivel- y una historia no por conocida menos interesante.

El cine de invasiones extraterrestres existe prácticamente desde que se hicieron las primeras producciones de ciencia ficción. La incertidumbre y el miedo de que nos extermine una raza superior, venida desde la otra punta de la Galaxia, ha dado mucho juego. Pero lamentablemente, todo lo que sale últimamente, solo consigue ennegrecer el genero. Cosas como Invasión a la tierra(2011) o Skyline (2010) nunca tenían que haber salido de la mente de sus creadores.

La propuesta que nos llega este fin de semana, se llama La hora más oscura. En esta película, unos personajes totalmente estereotipados quedan como los únicos supervivientes de invasión extraterrestre. Los dos protagonistas principales de la película, han llegado a Moscú para vender un negocio, pero se la han metido doblada. Resulta que un tipejo les ha robado la idea y la ha vendido. Pero no pasa nada, por que estos dos tópicos de las películas de adolescentes aprovechan para hacer cosas tan importantes como ponerse ciegos y ligar con dos americanas en una discoteca cualquiera de la ciudad. Será esa noche cuando comience la invasión de unas luces venidas del espacio, que desintegran a cualquier cosa que se les ponga por delante. Son unos bichos luminosos que buscan algo (que yo no puedo decir para no caer en spoiler) en nuestro planeta.

Realmente lo que falla en la película es un guión totalmente predecible. Es la segunda película de Chris Gorak, que ya trabajó de director artístico en El club de la lucha. Y aunque las localizaciones son atractivas y el casting bueno, la película no llega a lo que quiere expresar. La idea pretende ser original pero no lo suficiente y no aporta nada al genero. Mas bien se basa en otras películas para construir algo totalmente tópico. 

El protagonista Emile Hirsch tiene un papel muy simplón y se le hace imposible desarrollarlo. Estamos hablando de un actor que ha contado en otras producciones con el respaldo de Sean Penn, y que aquí queda totalmente infravalorado. Además le acompaña Max Minghella, que también se queda con un personaje predecible y que tiene poco que desvelar. Hay situaciones dramáticas, ya que están matando a todo el mundo, pero muy mal planteadas, porque mas bien dan risa. A las dos actrices principales tampoco se les ha dado nada innovador, incluso se hace predecible su destino en la película. A veces me pregunto como es que este tipo de actores hacen este tipo de “cosas”. Será simplemente por el dinero, digo yo.

Aunque los efectos visuales están bien, no son nada del otro mundo. Los extraterrestres, que casualmente son prácticamente invisibles, salen muy poco. Y entre que no salen y todos están muertos y no se ven los cuerpos, los planos se quedan totalmente vacios, haciéndolos muy aburridos. Otra cosa sería si en vez de desintegrarse hubiera cadáveres. Entonces todo sería un poco más impactante. Pero aquí se deja ver la escasa producción que ha tenido, con el fin de sacar el máximo con lo mínimo. En este sentido me recuerda a Skyline, en esto y en lo de la borrachera.

Una película que entretiene, pero no innova. Pero es ahora cuando hace falta un poco de impacto, ya que pienso que este tipo de genero no está muerto. Es en estos momentos cuando prefiero más cosas tipo Distrito 9 y menos bodrios tipo Skyline.

Es inevitable admitir que el cine coreano ha gozado en esta década de  gran difusión en nuestro país. Se ha colado como una fuente más de conocimiento cinematográfico o si queréis, como una oferta más aparte de lo ya establecido. Resulta inevitable pensar en trabajos como el de Chan-wook Park o Kim Ji-woon, que aunque mas violentos, si que nos transmiten ese tono interesante que se ha afamado tanto en nuestras fronteras. El thriller coreano cada vez es más popular en nuestro país.

The Yelow Sea, es presentado por Na Hong-jin, su director,  como la nueva propuesta del año en cine coreano. Se trata de una intriga continua, que aunque parte de una trama que llega a tener más de dos horas y media, no nos dejará el estomago pesado.

La película se centra en la figura de un taxista, un pobre desgraciado, que vive en una ciudad sin ley en la frontera entre Rusia, China y Corea del Norte. Acosado por las deudas y ya en la miseria, aceptará el encargo de la mafia de matar a un hombre en Corea del Sur. Este será su último recurso para cubrir las necesidades de su familia y para volver con su mujer, que se fue con el dinero que le prestó la mafia a Corea del Sur, y de la que el taxista no ha vuelto a tener noticias. Aunque no conoce nada de la victima, acabará en medio de una lucha salvaje entre criminales y mafiosos.

La película ha sido guionizada y dirigida por Na Hong-jin. En el reparto destacan Ha Jung-woo, Yun-seok Kim, Jo Seong-ha, Lee Cheol-min y Kwak Byeong-gyu. Sin duda es Ha Jung-woo quien se lleva el peso de la trama, ya que además de ser el protagonista, interpreta un personaje bien construido y con una tendencia y evolución admirable, en cuanto a la construcción de la historia. Se trata de una película en la que hay héroes muy contradictorios, con demonios internos y personalidades naturales, realistas y por consiguiente, imprevisibles. Jo Seong-ha también tiene una intervención admirable, como jefe de una mafia que no dejará que nada se le escape de las manos, empleando los métodos mas salvajes posibles, a las malas muy malas.

Lo mejor de todo este disparate es la acción, que se desarrolla muy bien. A pesar de ser una película tan larga, tiene mucho ritmo. Se le da tiempo a los personajes para que se desarrollen y también hay secuencias de persecuciones y de acción muy bien ejecutadas, completas y realistas. Lo más curioso de todo sin duda es la ausencia de armas de fuego en las secuencias, siendo la utilización de armas blancas las mas utilizadas.

Un thriller que a pesar de la duración mantiene su intriga. Con una ambientación mafiosa inmejorable y violencia realista. Una opción más para todos los amantes del genero y ante el empecho de la cartelera guiri que nos gobierna. Altamente recomendada.

 Y es aquí, en el psiquiátrico, donde las historias se entrecruzan. Historias de enfermos que rodean la tristeza de Veronika hasta convencerla de que desea vivir. Las decisiones tomadas por Blake, deseoso de lograr una cura para Edward sin tener en cuenta las consecuencias para el resto. El deseo de Mari (Melissa Leo) de ser feliz dentro del psiquiátrico. Y son, precisamente, las vidas de Mari y Veronika las más parecidas, las más similares. Las que han llevado a las dos mujeres al borde de la locura. Una vida encaminada al éxito profesional, dejando de lado el amor, la compasión, el tiempo libre. Sólo encaminadas a la obtención de dinero. Dos profesionales muy valiosas que echan en falta algo diferente.

De entre la extensa cartelera que azota nuestros cines, podemos escoger este fin de semana Atraco por duplicado. Pero tenemos que tener en cuenta, que a pesar de intentar cumplir las funciones puras de una comedia, parece que Jon Lucas y Scott Moore, guionistas de la aclamada Resacón en las vegas, no han podido materializar sus propias intenciones, en una comedia sobre robos con un nudo que nos dejará el estomago, cuanto menos pesado.

La trama se desarrolla durante el atraco de un banco, que por coincidencias de la vida es asaltado por dos grupos de atracadores diferentes. Pero Tripp, que se enamora de la cajera del banco Kaitlin, descubrirá durante el transcurso de los acontecimientos, que lo que parecía una coincidencia, acabará siendo un plan meticuloso con unas intenciones mucho más pretenciosas.

La idea, que en principio parecía atractiva, se vuelve un poco pesada. Como he comentado antes, los guionistas de Resacon, quieren rizar el rizo hasta la saciedad, llegando a meter a los personajes en situaciones realmente ridículos. Y aunque estas situaciones tengan que ser propias de una comedia, acaban siendo tan ridículos que no tienen gracia. Un banco que se convierte en un lugar en el que participan tanto rehenes como ladrones, pero que se entretiene demasiado en escenas aisladas de la trama y la acción, llegando a hacer que los personajes en realidad establezcan monólogos interminables.

Pero en realidad creo que lo pero se lo ha llevado el guión, que no solamente se ha salido de la idea general, sino que ha afectado a la película en general, ya que el director de esta, Rob Minkoff, ha intentado montar lo que ha podido con todo ese entresijo y lio de acontecimientos. Lo que empieza como una comedia, acaba cayendo en las garras del tópico más trillado del cine de crimen, ese en el que se tiene que descubrir quien será el “siguiente en morir” o quien es el “último sospechoso” del asesinato en la habitación.

En cuanto al casting, supone una rareza de las que no solemos ver en el cine. La cara de Ashley Judd, que debido a los efectos del botox cada vez tiene mas dificultad para expresarse, lo hace lo mejor que puede. Ya que los actores principales han interpretado unos diálogos y un guión que en realidad no les deja salvar nada. El personaje de Patrick Dempsey, Tripp, es irritante, pero dentro de una escala difícilmente soportable para los espectadores.

Se trata de una historia que no cumple con su objetivo. Cine de entretenimiento a la fuerza, del que nos hace desesperarnos. La trama,que pretende intrigar, aunque camuflada por la comedia, nos desespera. Esta desesperación se hace insoportable sobre todo en los últimos 20 minutos de la película, que nos hacen agotar todas las posibilidades que guían hacía el culpable.

Pienso que no han cumplido con el objetivo. Una película, que no llega a ser mala, pero que forzosamente tendría que ser mejor.

1º.- Incomprensible: la historia, bien narrada, podría haber dado juego. La mitológica historia real de Teseo podría haber sido trasladada a la pantalla en todo su esplendor: guerras, traiciones, romance, aventura… lo tiene todo, como buena narración mitológica. Incomprensiblemente Inmortals carece de todo ello para convertirse en una sucesión de imágenes –algunas excesivamente violentas- pero no hiladas entre sí.

2º.- Es inconcebible en una producción como esta que todo los decorados rebosen cartón-piedra. Llega a dar vergüenza ajena comprobar como, una y otra vez, el “corcho” gana terreno a la imagen. Ni siquiera las escenas virtuales están a la altura de una superproducción, como nos han vendido este sub-producto. Para los más exigentes, no hay duda que encontraran geniales curiosidades como las “luces de neón” en el túnel del gran muro (obviamente, las luces no se ven, pero si te dicen que estás accediendo a la Enterpraise te lo crees).

3.- Inaceptable el nivel interpretativo. Reconozco que de Henry Cavill (Teseo), Luke Evans (Zeus) o Freida Pinto (Oraculo) no esperaba mucho; pero es que ni siquiera el siempre magnifico John Hurt está a nivel. Curiosamente solo es destacable, por su crudeza, la actuación de Mickey Rourke (Hymperion).

4.- Increíble como una y otra vez, historias mediocres se disfrazan de 3D para vender como novedad algo que no llegaría a serie B hace unos años. E Inmortals no llegaría a serie B, dentro de unos años, cuando la moda del 3D -que está haciendo demasiado daño al cine- desaparezca y vuelvan las buenas historias, esta película será motivo de mofa más que de culto.

5.- Incongruente la estética de los personajes, con un vestuario en el que, en busca de un claro contraste entre buenos y malos acaba rebosando el plastico. Solo es destacable el vestuario del ejercito de Hymperio, pero más por sus horrendas mascaras y por dar una imagen mas que real. Por el contrario, los buenos buenisimos, irán a pecho descubierto o con armaduras literalmente de plástico (cuando Teseo se la quita dentro del monte Tancratos llega a doblar la coraza con una sola mano); y los dioses, bueno, los dioses son caso aparte, con una estética gay imposible y unos modelitos que nos dejan a un Poseidón (Kellan Lutz, conocido por su papel de Emmett Cullen) cubierto con un tocado “ojos de mosca”, más parecen muñecos de plastico dorado que personajes reales de una película.

6.- Inimaginable esos titanes convertidos en futbolín; el gore de determinadas escenas que tratan de mostrar la crueldad de Hyperion y los suyos, o de la lucha entre dioses y titanes; o, por ejemplo, la supuesta moralidad escondida tras los diálogos de Zeus con su hija Atenea sobre la necesidad de dejar a los humanos seguir su vida sin intervención divina, frente a la petición de la propia Atenea de no abandonarlos; claro que quizá ese fragmento sea el mejor guionizado de toda la película que parece haber carecido de guión.

7.- Insuperable la campaña publicitaria que ha convertido un autentico bodrio en la película más taquillera de las navidades.

8.- Imbéciles todos los que, como yo, hemos caído en esta trampa que, como un laberinto, nos ha ido trasladando desde el cine de calidad hasta estas nuevas cintas de protagonistas musculosos y “de buen ver”; aparentemente visuales y que hacen agua en cada esquina.

Lo peor de todo, es que el fina queda abierto y amenaza con una segunda parte.

La última entrega de la saga de espías protagonizada por Tom Cruise es uno de los estrenos más importantes de fin de año, tanto por las expectativas que genera su equipo técnico y artístico como por ser una de las franquicias más importantes en activo de Hollywood.

La trama de la película gira en torno al robo de unas claves que permitirán al villano de turno detonar unos misiles nucleares desde Rusia a Estados Unidos con el fin de provocar una guerra que acabe con la vida en la Tierra tal y como la conocemos. Por supuesto, la FMI (Fuerza de Misión Imposible) enviará a su mejor hombre, Ethan Hunt, para que solucione el problema, pero todo dará un vuelco cuando tras un incidente de grandes consecuencias se culpe al equipo del infalible espía, teniendo que proseguir su misión en secreto, en contra de amigos y enemigos.

Sobre el papel la propuesta pinta realmente interesante, pero lo que empieza siendo un relato lleno de intriga, se torna hacia la mitad en una sucesión de set pieces para el recuerdo que esconden la falta de un argumento más complejo y de unos personajes más interesantes.

En lo referente a estas secuencias, hay que decirlo alto y claro: son una auténtica de lección de planificación, montaje, ritmo y suspense, todo funciona a la perfección para meterte dentro de la acción, donde también ayuda a que todo transcurra en poco más de 24 horas. Como ejemplos de esto tendríamos la secuencia del principio, donde por causas que no destriparé aquí, el personaje protagonista tiene que escapar de una prisión de máxima seguridad, la parte en la que tienen que infiltrarse en el Kremlin con la tecnología más puntera, o el famoso segmento que acontece en la torre más alta del mundo, llena de emoción y adrenalina y que prosigue sin descanso a una original persecución dentro de una tormenta de arena. Todos estos momentos resultan memorables y constituyen sin duda lo mejor de la cinta.

En cuanto a los personajes, destaca uno por encima del resto por méritos propios, Tom Cruise. Las razones son que el actor, que siempre ha sido muy injustamente infravalorado en mi opinión, protagoniza todas sus escenas de riesgo, desprende carisma y sabe reírse de sí mismo en muchos apuntes graciosos de guión. Su equipo en el film también está a la altura: Simon Pegg hace un personaje divertido pero sin caer en la irritación; Jeremy Renner demuestra que tiene madera de estrella ofreciendo muchos registros; Paula Patton deja claro que tiene futuro como heroína de acción y Michael Nyqvist hace lo que puede con uno de los peores villanos que han existido.

Ese es el gran problema de la nueva Misión Imposible, por encima de un guión que como ya he mencionado antes, acaba siendo repetitivo pero emocionante en su segunda mitad de metraje. Un villano que no tiene apenas presencia durante toda la película, y cuando lo hace no transmite ni miedo ni odio, solo indiferencia. Incluso lo más importante, la razón por la que este hombre desea desatar una guerra nuclear sobre el planeta, no tiene profundidad alguna: no lo hace por dinero, ni por rencor hacia la Humanidad, no es ni siquiera por maldad… sencillamente está loco y punto, algo que se antoja a todas luces insuficiente para construir un relato de intriga.

Para acabar, comentaré que la maestría cinematográfica del director Brad Bird se ha plasmado en pantalla mediante una elegante planificación que sabe sacar todo el provecho de los lujosos entornos por donde se mueven los protagonistas y un pulso narrativo que nunca deja que el espectador se aburra en su butaca. Mención especial para el compositor Michael Giacchino, que adorna la función con una partitura muy emocionante. También hay que señalar que, a la hora de hacer comparaciones, Tom Cruise siempre dijo que quería que cada entrega de la serie tuviera un tono distinto (de ahí que no haya repetido nunca ningún director), distinguiéndose ésta que nos ocupa en que la comedia tiene una presencia mayor, pero sin ser nunca molesta.

En conclusión, esta Misión Imposible – Protocolo Fantasma es una película muy recomendable para pasar un rato entretenido y lleno de diversión; es un espectáculo de primer orden pero que resulta muy superficial en lo que concierne al guión, que no cuenta con sorpresas ni giros inesperados. No creo que sea la mejor de la saga (la tercera me parece la más completa) pero está a un nivel muy alto en lo que respecta a las películas de acción actuales.

“Un método peligroso” es una de las mejores películas estadounidenses del año, sin embargo muestra un cambio de estilo en su autor.

David Cronenberg, un autor que hasta ahora ha sacado la parte más oscura de sus personajes, se ha mostrado mucho más comercial que en anteriores cintas, evitando desatar cualquier tipo de polémica mostrando escenas de sexo y/o violencia explícitas.

Sinopsis

El filme narra los años de relación que mantuvieron Carl Jung y su mentor Sigmund Freud, mientras el primero trataba a la paciente Sabina Spielrein, una mujer que  se excita cuando es maltratada o humillada y con la que mantendrá una relación.

Sabor agridulce el que deja “Un método peligroso” a todo seguidor de la filmografía de su director. El autor podría haber sacado más partido a una historia que se prestaba a ser narrada con más crudeza y desde una violencia desde la que tan amante es Cronenberg. La idea de llegar a un mayor número de espectadores que con sus anteriores obras, ya sea por parte de él o de la productora, ha hecho que el filme no acabe de expresar lo que quizá se pretendía.

Lo que en momentos se llega a parecer una historia romántica, que le ha valido en España un calificación de mayores de 12 años, era en realidad una relación sadomasoquista mucho más cruel que hubiera estado mejor narrada con la inclusión de escenas mucho más extremas.

Pese a no cumplir con las expectativas de los fans más acérrimos del director canadiense, la producción está muy por encima de la mayoría de las realizadas este año en la meca del cine. Y el realizador aún habiendo cambiado de estilo sigue siendo un destacable del panorama internacional.

Si cabe destacar alguna cosa por encima de las demás en esta cinta es, sin lugar a dudas, el gran acierto a la hora de elegir el reparto.

Michael Fassbender, actor de moda tras su actuación en “Malditos bastardos” a las órdenes de Quentin Tarantino, da vida  a Carl Jung en una interpretación memorable, en el mismo año que gana la Copa Volpi del Festival de Venecia y se le nomina al Globo de Oro por su papel en “Shame”, cosa que le hace favorito por el mismo al Oscar.

Aunque Keira Knightley por el papel de Sabina Spielrein ha sido obviada en las nominaciones al Globo de Oro, hecho que la puede dejar también sin opciones al Oscar, ha interpretado el mejor papel de su carrera y uno de los mejores del año. Muy probablemente los jurados, críticos y académicos miran hacia otro lado cuando aparecen interpretaciones tan exquisitas pero sobre personajes tan políticamente incorrectos.

Viggo Mortensen, única nominación al Globo de Oro, desarrolla su rol secundario con excelentes resultados. Un Sigmund Freud seco y distante como se nos ha hecho llegar en los escritos.

En los escasos minutos que lo vemos en pantalla, Vincent Cassel da lo mejor de sí, demostrando que es uno de los mejores interpretes franceses actuales.

Salir del cine, después de ver In Time,  si eres seguidor de lo poco que ha realizado Andrew Niccol, te puede proporcionar un sabor de boca amargo, además de una percepción mental sobre la decepción bastante elevada.

Existen opiniones dispares sobre el primer film de este director, Gattaca. Para mí, además de ser un film de culto, creo que es una de las mejores obras de ciencia ficción de todos los tiempos. Después, con su guión de El show de Truman, el realizador se ganó el respeto de la crítica, para pasar poco a poco a un periodo de decadencia, que se vio pausado por El señor de la guerra. Pienso que tal y como le ha pasado a Night Shyamalan, Niccol cayó en su momento en una tendencia decadente, que le ha llevado a realizar In time, con una idea genial que el mismo ha convertido en algo nefasto.

In time nos lleva a un futuro alternativo, en el que se ha descubierto la manera de controlar el gen que nos hace envejecer. El dinero ya no tiene valor, si lo comparamos con los años de vida , con los que podemos comprar y vender algo. La gente trabaja para compensar un contador que llevan en el brazo, mientras que otros sencillamente lo roban, o matan por el . Un recurrente guardián del tiempo (interpretado por el brillante Cillian Murphy) se encarga de mantener el orden de este. Será de este guardián del tiempo, del que tenga que escapar Timberlake después de secuestrar a Amanda Seyfreid, con la intención de repartir entre todos los pobres del mundo el tiempo que tienen retenido los ricos. A primera vista, la película nos propone una crítica al sistema capitalista mas feroz, el que divide a los muy ricos de los realmente pobres. Pero se pierde en un delirio ridículo, gracias a un guión que no define nada bien las acciones de los personajes principales.

En la historia, se cruzan las intenciones de Justin Timberlake, un pobre muerto de hambre al que le regalan cientos de años de vida y una Amanda Seyfreid que hace de niña de papa, precisamente de uno de los hombres más poderosos de la ciudad, la única persona que posee un millón de años.

Como he comentado antes, es el guión el que determina una separación inevitable en la línea argumental. Tenemos una primera parte muy buena, que nos incita a seguir viendo una película que no sabemos como acabará, que llega hasta el secuestro de Amanda Seyfreid por parte de Justin Timberlake. Pero la segunda parte, que es la mas larga y la mas mala, seguiría a partir de ese mismo momento para perderse en la más absoluta desorientación. Esto, que es algo en lo que me fijo normalmente a al hora de valorar la actuación de los personajes, con la consecuente interpretación de los actores, hace que hasta el actor mas bueno, como es el caso de Cillian Murphy en esta película, pueda llegar a parecer un actorucho bastante mediocre.

Con respecto a esa primer parte, he pensado que era puro Andrew Niccol. Pero el resto de la película puede catalogarse de nefasto, ya que nos intenta mostrar una mezcla entre Robind Hood y Bonnie y Clyde bastante ridícula. Porque aunque Justin Timberlake se ha presentado en estos últimos años como un actor nobel con muchas posibilidades, aquí, que es su primer papel prácticamente como protagonista, ha tenido la mala suerte de tener que interpretar un personaje que no ha aportado a la película el valor de héroe y protagonista emblemático. Cillían Murphy, que nos tiene acostumbrado a hacer muy buenos papeles, no ha podido desempeñar todas sus cualidades interpretativas, principalmente porque no ha tenido grandes escenas interpretativas.

Salvando algunas escenas de acción y una idea bastante original, la película no tiene nada más. Y a día de hoy, me ha pasado como con The lasta Airbender de Shyamalan. Me he sumergido en la decepción más absoluta.