Archivo de la categoría ‘Cine histórico’

Una película donde el protagonista sea un caballo resulta, en un principio, poco atrayente aunque la dirección provenga del gran creador de historias Steven Spielberg – yo soy de la opinión que un nombre no convierte de forma mágica a una película en una gran película-. Debo confesar que era una de esas películas que descarté ver nada más ver el tráiler, sin embargo, el hecho de que me hablaran maravillosamente bien de libro (Michael Morpurgo) me animó a que la viera.

War Horse, o Caballo de batalla, no es sólo la historia de un caballo y su dueño (Albert Narracott interpretado por Jeremy Irvine) sino que se basa en un hecho histórico que pasa desapercibido en los estudios históricos, la muerte de miles de caballos durante la Primera Guerra Mundial. Es cierto que el vínculo amo y dueño se mantiene hasta el final, sin embargo, aunque ese vínculo pueda ser el centro de la historia y el espectador espere con ansia el reencuentro, los diversos momentos por los que pasa el caballo mantiene al espectador fijo en la butaca sufriendo por el destino de dicho animal. La historia ha sido tratada con gran cuidado dando como resultado una emotiva película provocando que más de uno salga llorando del cine.

Y es por ello que el gran valor de War horse recae en la forma de transmitir la historia en la gran pantalla y no en la interpretación de los actores. Es fácil escribir un libro relatando las aventuras de un animal y mantener atento al lector, pero no es fácil llevarlo a la pantalla donde, generalmente, los consumidores no saben apreciar lo que están viendo, bien porque desconocían lo que iban a ver o simplemente porque no les gusta. Con War horse se ha logrado llevar a pantalla la historia de un animal sni caer en el aburrimiento, por el contario, la historia del caballo mantiene al espectador en vilo esperando el trágico final del mismo.

Al ser el caballo la principal figura de la historia, sin duda alguna es él el principal actor del film, y lo cierto es que han sabido hacerlo tan bién que el espectador no puede quedar más que asombrado ante el talento del animal/ o animales ante la pantalla. En ocasiones hay momentos que puedes suponer lo que el animal piensa y siente sin necesidad alguna de palabra, por lo que se aprecia aún más el trabajo que hay detrás de ello. Obviamente no sólo el caballo tiene sus méritos, habría que destacar también el papel de Jeremy Irvine que interpreta de manera decente al dueño del caballo, es posible que éste pueda tener un gran futuro en el cine, sin embargo no creo que este sea un papel para lucirse. Lo mismo podría decirse de Emily Watson, que hace un gran papel en los pocos minutos en los que aparece. Lo cierto es que, no es de esas películas donde el valor de la misma recaiga en el elenco -y War horse cuenta con un gran elenco: Niels Arestrup, David Thewlis, Tom Hiddleston conocido por Lokki en Thor o Benedict Cumberbatch conocido por la serie de la BBC “Sherlock”) y en la capacidad interpretativa de los mismos, sino más bien en la forma de transmitir la historia y en eso War horse acierta de pleno y el espectador no se sentirá insatisfecho después de verla.

Entre las películas a seguir en los próximos años, tenemos “A  royal affair”, del premiado director Nikolaj Arcel, que dirige una épica y dramática historia de amor basada en hechos históricos y protagonizada por el actor Mads Mikkelsen (Casino Royale,  Coco Chanel & Igor Stravinsky; Furia de titanes) y la estrella en auge Alicia Vikander.

La pelicula narra la verdadera historia de un hombre normal que conquistó el corazón de la Reina y empezó una revolución. Centrada en el triángulo formado por el cada vez más loco Cristián VII de Dinamarca, el idealista e ilustrado Johann Friedrich Struensee y la joven aunque decidida reina Carolina Matilde, la película relata la apasionante vida de unos valientes idealistas que lo arriesgan todo por la liberación del pueblo, y sobre todo el emocionante y prohibido romance que cambió a toda una nación.

(sentimos que el trailer está en danés, cuando esté disponible en español lo traeremos hasta Librecinefilo)

Hay películas que merecen sesudas críticas que vayan desglosando las virtudes y defectos de la cinta. Otras que ni tan siquiera merecen ser criticadas y unas pocas que solo necesitan una palabra para definirla. “La Dama de Hierro” es de estas últimas: soberbia. Es más, si Meryl Streep no gana el Oscar a la mejor actriz este año, prometo dinamitar la Academia.

Porque Meryl Streep se echa sobre la cabeza el sombrero de Margart Tatcher y la humaniza. Se transforma en uno de los personajes más controvertidos del siglo XX y hace que sintamos lástima por ella. Emociona ver a La Dama de Hierro en el cuerpo de esta Dama de la Escena. Anciana, decrepita, con alucinaciones y preguntándose si su vida realmente ha valido para algo. En menos de dos horas la cinta nos muestra la evolución de la joven hija del tendero que llegó a convertirse en la mujer más poderosa del mundo. Y lo hace sin dejar nada de lado, entremezclando la ficción con las durísimas imágenes de las huelgas mineras, de las bombas del IRA o de la guerra de las Malvinas. Y Meryl Streep nos muestra, basándose en la biografía de la propia protagonista, las duras consecuencias personales que conllevaron ciertas decisiones.  Y la evolución de la visión sobre su figura política desde la admiración mostrada por su coraje hasta la soledad que conllevó ser relegada del gobierno por su propio partido por su intransigencia.
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Siempre me han gustado los dramas-judiciales, era la típica persona que cuando veía que emitían por la televisión películas como Algunos hombres buenos se quedaba clavada en el sofá y la volvía a ver aunque ya la hubiera visto decenas de veces –aún me pongo tensa con la famosa escena de Tom Cruise y Jack Nicholson-. La conspiración no es más que eso, un drama judicial situado en un contexto histórico interesante –al menos para los estadounidenses-: el magnicidio del presidente Abraham Lincoln, y los protagonistas del film, es decir el centro de la misma, no es ni el presidente ni su asesino y conspiradores, sino la primera mujer que fue condenada a muerte en E.E.U.U.: Mary Surrat y su abogado, Frederick Aiken. Sin embargo, aunque el espectador puede considerar que Robert Redford posee una historia cuanto menos interesante a la que se le puede sacar bastante jugo, éste no puede más que pensar que la cinta le ha dejado un regusto de insatisfacción que le lleva a dudar sobre si lo que ha visto es bueno o malo.

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Parece que Colin Firth está empeñado en llevanos al cine al final de año. Como ya ocurrierá en 2010 con la magnifica El Discurso del rey, este año verémos al inglés en “El topo”. La película con mejor cartel de lo que nos queda de año.

Basada en la novela de Jon LeCarre “El Topo” es un thriller de espías desarrollado en los años 70 en medio de un cambio en la cúpula de mando de los servicios británicos y con la sospecha de un traídor entre las filas, que llevará a un agente retirado (Gary Oldman) a descubrir la verdad que se esconde tras un entramado de traiciones, intrigas y mentiras.

Aquí tenéis al tráiler de la nueva película, que contará con la producción de George Lucas. Se trata de Red Tails, una película bélica que cuenta también con la dirección del debutante Anthony Hemingway, un tío que solamente ha dirigido para televisión.

Como podéis ver, se trata de una película sobre los primeros pilotos afroamericanos que volaron en un escuadrón de combate durante la II Guerra Mundial. Sin duda se trata de una película de guerra en toda regla con sus toquecillos dramáticos.

Así a vote pronto, se pueden divisar las caras de Cuba Gooding Jr , David Oyelowo y Bryan Cranston. La fecha de estreno será para el 20 de Enero de este próximo año.

La Cinta Blanca (Michael Haneke, 2009) es oscura, larga, agobiante, brillante. Una fabula narrada por un joven profesor de la escuela rural de Eichwald, pueblo protestante en el norte de la Alemania de pre-guerra. Michael Haneke crea una película intrigante dónde nada es lo que parece o todo parece lo que es. No lo sabrás hasta el final de la cinta que, como el título, se vuelve blanca por momentos para recordarnos la oscuridad del alma humana. Una serie de hechos inexplicables con un marcado carácter de castigo ritual se convierte en la trama central de una historia tan negra que te pega al sillón pese a todo.

Y ese todo se compone de un metraje lento, carente de banda sonora y, casi, de dialogo. Que se sustentan en la narración del maestro (Christian Friedel) en sus pensamientos y recuerdos de aquel año de 1913 y los sonidos del propio pueblo (la campana de la Iglesia, el piar de los pájaros, las voces de los campesinos, la música de fiestas o del piano de la baronesa). Rodada en blanco y negro, la fotografía es simplemente magistral, parándose en el detalle, deteniéndose hasta el infinito para disfrute del oído y la vista. Y la historia, que termina con el inicio de la declaración de guerra de Austria a Serbia, es simple y llanamente redonda.

El maestro nos narra los sucesos extraños acontecidos en el pueblo y nos acerca a la vida del médico y la partera, el pastor protestante que dirige con mano férrea la moral del pueblo; el barón que controla la zona; los chicos del coro, entre los que se encuentran los intrigantes hijos del pastor; la joven niñera; los campesinos… cualquiera puede estar detrás de los actos de castigo. Pero no importa. Hay algo mucho más profundo en esta Cinta Blanca: el nacimiento de los radicalismos violentos. Haneke crea una opresiva fabula sobre el fin de la inocencia y el nacimiento de ideas violentas aún en los lugares de más recta moral. Una historia de culpables sin culpables que se convierten en fantasmas ante el atormentado ojo del espectador que no puede creer presenciar lo que observa.

Una obra maestra, sobrecogedora y tormentosa en la calma. Una cinta imprescindible que nos lleva a pensar sobre la maldad congénita al ser humano.

Age of Heroes (Adrian Victoria, 2011) es una película bélica de tinte clásico. Lejos de los artificios y de los exagerados efectos especiales que acompañan cualquier escena de guerra en el cine actual, Adrian Victoria se ha centrado en las personas ante el momento concreto que les toca vivir. Poco sabemos de los personajes principales más allá de una leve pincelada sobre Jones (Sean Bean): adiestrador militar a punto de ser padre que se ve obligado a marchar a la Noruega ocupada por los nazis por orden de Ian Fleming (James D’Arcy), precursor de los comandos británicos y, por otra parte, creador de James Bond.

Este drama bélico se centra en la acción llevada a cabo por Jones y su comando en Noruega, con el objetivo de hacerse con un sistema de radares alemán que estaba bloqueando las comunicaciones marítimas inglesas. Y, como hemos dicho, se acerca a la historia sin artificios, sin grandes efectos ni grandes batallas. No las necesita para narrar lo que desea: el valor de siete hombres (y una mujer) dispuestos a dar su vida por lograr el objetivo de terminar con la supremacía nazi. Y será precisamente la presencia de los nazis lo más duro del film: el encuentro con una familia campesina noruega y el trágico final es más que suficiente para poder decir que estamos ante una de las más cruentas representaciones del ideario nacionalsocialista de la Alemania de Hittler.

Pero la película, realizada sin grandes pretensiones y con un elenco que se muestra corto, peca de falta de intensidad en sus interpretaciones y de dinamismo en algunos instantes, con una trama que queda coja. Además la película deja caer su peso en Danny Dyer (Rais) que interpreta a un ex soldado conflictivo que ve en el comando la única forma de escapar de la prisión militar en la que se encontraba recluido. Pero el personaje carece de fuerza y la interpretación de Dyer lo vacía del poco peso que pudiera tener siendo totalmente borrado de pantalla por John Dagleish y Daniel Brocklebank. Dos actores curtidos en la televisión que no desentonan en su salto a la gran pantalla.

Aún así, lejos del cine bélico actual, tiene sabor a clásico. A película bien hecha con pocos medios, que recurre a grandes espacios naturales y a una cuidada fotografía para cubrir sus defectos; con una buena historia contada con realismo –pese a esos bajones en la trama- y, como no podía ser menos, con rigor histórico pero que no gustara a los fans de Rambo, Salvar al Soldado Ryan ni otras parecidas.

La adaptación del clásico de Tolstoy, Anna Karennina, ya tiene la plantilla completa. Además, para su guión han contado con Tom Stoppard, responsable de maravillas como Shakespeare in love. Además, Joe Wright se sentirá como en casa, ya que la mayoría de los actores ya han trabajado con el antes.

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Ahora que La letra escarlata ha vuelto a ponerse de moda gracias a la comedia adolescente Rumores y mentiras he pensado que era un buen momento para recodar el film original que allá por el año 1995 protagonizaran Demi Moore y Gary Oldman. Dirigida por Roland Joffé, La letra escarlata es la adaptación de la novela homónima de Nathaniel Hawthormen y cuenta la historia de Hester Prynn (Demi Moore) una joven con gran belleza y unos ideales muy firmes que a finales del siglo XVIII llega a una colonia gobernado con puritanos con un alto sentido de la moralidad. La posición de Hester Prynn empieza a ser considerada mal vista cuando queda embarazada del reverendo Dimesdalo (Gary Oldman) de quien está enamorada profundamente. El amor de esta pareja se verá amenazado aún más con la llegada del marido de Hester, a quien todos creían muertos.

Aunque el film tiene como tema principal algo tan universal y tan repetitivo como el amor prohibido, la historia se alimenta con un buen contexto histórico. El film muestra muy bien los problemas que hubo durante siglos para la convivencia entre indios y blancos, así como el surgimiento del radicalismo religioso de los cuáqueros y puritanos. Por otro lado, las actuaciones de Demi Moore y Gary Oldman son espléndidas, pero si he de destacar un papel realmente bueno ese es el de Robert Duvall, el marido de Hester Prynn, y que supone una mezcla de lo más cruel de lo indio y del blanco. Totalmente ansioso de venganza no duda en manejar las creencias de los puritanos para poner al pueblo en contra de su mujer y del supuesto amante que todos desconocen y de llevar a cabo su venganza poniendo a prueba lo que aprendió durante su estancia en un campamento indio. Asimismo, el papel de Joan Plowright como “madame” del pueblo o bruja es igualmente destacable, a lo largo de la película va señalando esa radicalización que fue experimentando la población de la colonia quizás para hacer frente al enemigo indio, quizás para favorecer un mayor control social.

Así como los actores y el contexto histórico, también la ambientación ayuda a recrear una historia que emocionará al espectador que con angustia verá cómo el desarrollo de la historia y temerá por el destino de los amantes. Es posible que no sea la mejor película de la historia del cine, pero no dejará indiferente al espectador que verá un magnífico trabajo tanto de los guionistas como de los propios actores. Sin duda, una película para recordar ahora que han decidido tomar el tema para guionizarla para los adolescentes.