Aquí tenéis otra colaboración de Eduardo Muñoz, uno de los miembros de Lo que Coppola quiera. En este,nos muestra su indignación por el panorama nacional del cine:

El Barça-Real Madrid se retransmitió en cines de toda España, me enteré por la prensa. Una cosa lógica, pensé, ¿para qué se quiere una sala de cine hoy día? Pues para eso, para el fútbol. Si ya tuvimos un antecedente con el mundial del pasado verano, y no veáis el éxito que tuvo.

También hay otros antecedentes como el documental que hicieron sobre la vida de Belén Esteban. Eso no se puede emitir en Telecinco, joder, necesita más glamour. Una representante de la cultura de nuestro país de ese calibre necesita un estreno por todo lo alto. Esto no es Hollywood, pero se apaña en un momento.
¿Y qué me decís de las series? Últimamente también las estrenan en cines. Porque no son una mala imitación del cine, no, sino que dentro de poco sustituirán al mismo cine. Ya lo dijo John Ford. Con dos cojones. Viva Lost y muera Bogart.

El ver una película en una sala cinematográfica está pasado de moda. No hay más que acercarse a la Gran Vía, cada día van quedando menos. Y es que hay que adaptarse a los nuevos tiempos, que sí, Eduardo, que no te enteras. Que si los cines no dan pasta se cierran y fuera. Da igual, si para eso está el H&M. O, si no, la metamorfosis del espectáculo cinematográfico. Del cine se pasa a los derbys futbolísticos. Hay que renovarse o morir. Joder, si hasta Laporta ha entrado en el Parlament de Cataluña. Pero no os preocupéis, que para eso tenemos un Ministerio de Cultura, para que nos solucione la movida.

No es país para cinéfilos.

Seguimos con las colaboraciones esporádicas, de algunas librecinéfilos que se han atrevido a mandar sus opiniones y artículos. El caso que nos ocupa hoy, es el de Eduardo Muñoz, uno de los encargados de deleitarnos en el blog Lo que coppola quiera. Nos ha mandado un texto que tiene como tema principal la opinión de uno de los films de Claude Chabrol. Espero que os guste:

El recientemente fallecido Claude Chabrol fue un gran cineasta, además de uno de los creadores de la nouvelle vague. Nos ha dejado un puñado de buenas películas, entre ellas La mujer infiel.

La premisa del film es muy simple: Un marido empieza a sospechar que su esposa le es infiel, por lo que contrata los servicios de un detective para que la siga y descubra quién es su amante. A partir de ahí, las consecuencias vendrán por sí solas.

Chabrol enfoca la historia, más que desde el romanticismo vulgar y chabacano, desde la psicología de personajes. Nos muestra a un marido celoso, atormentado, pero sobre todo, enamorado de una hermosa mujer, con la que comparte un hijo. Él descubre que sus diez años de matrimonio se desvanecen, que su familia se desintegra, y ahí está el drama de la película. Por otro lado está ella, la esposa. Joven, bella, enamorada de otro. Y todo ello, como lo más normal del mundo. No hay ningún dramatismo ni estereotipo, el marido no es la víctima y la mujer no es la mala por haberse enamorado de otro, simplemente, ha ocurrido así. Quizás por el aburrimiento y la rutina, quizás porque se pasaba mucho tiempo sola, quizás porque su marido no hace ejercicio y está engordando (como plantea la madre de él al comienzo de la película), ella conoce a otro tipo (sin buscarlo) y se enamora de él. No se deducen esquemas morales del film. Cada personaje actúa en base a su circunstancia. Por ello son personajes humanos, reales.

Después, el cine negro, con homenaje a Psicosis de Hitchcock incluido. Y todo ello contado desde una asombrosa y maravillosa sencillez. La narración es clara, directa, con importancia a los detalles, a objetos, que sirven de apoyo al guión y, en ocasiones, un plano de un objeto sustituye lo que podría haber sido un nuevo diálogo, una nueva escena. Y es que no hacen falta palabras si está claro lo que se nos está mostrando en la pantalla. Estamos ante un cine de miradas, de objetos, de situaciones, que sólo un maestro de la narrativa puede hacer.

Después de esta película, muchas han intentado imitarla con esquemas y argumentos similares. Pero el arte no se imita, el arte es único.

Hoy tenemos el placer de publicar un texto que nos ha llegado a la pagina en forma de colaboración. Se trata de un artículo del libre cinéfilo Antonio Martín de las Mulas, que con soltura y habilidad nos plasma algunas verdades:

Nunca he sido un amante fervoroso de la industria del cine, ni un vehemente halagüeño de las grandes estrellas. A mí lo que me gusta, como a todos supongo, son las buenas películas, las que yo considero contra los trasnochados gustos de la masa ignorante, contra los falsos críticos que pagan los periódicos, y contra los eruditos cuyo criterio apuesta por otros intereses que no tienen que ver con el talento, el arte y la belleza. Hay fuerzas invisibles, – empresas, productoras y gobiernos – que convienen en dar las distinciones a los que siempre fueron el ojito derecho de esta industria terrible. Hacerse un sitio sale caro, puede costar un ojo de la cara o puede salir a un precio que sólo esté al alcance de quien no tiene escrúpulos para poner la cabeza de un potro en la cama de algunos directores. Lo escenifica Coppola en uno de sus films, con mucha claridad y cierta brillantez. Pero el mundo es así y son sus reglas. Los intereses económicos se imponen y la estética, al cabo, es un producto moldeado a imagen y semejanza de una legión de sombras, anónima, difusa, e inexcrutable. Las grandes estrellas de Hollywood, los Sex Symbols que vemos todos los días en la televisión, en las revistas, y en las pantallas de los cines, representan el verdadero anzuelo que concita a las masas y a los altos ingresos de taquilla. Basta con irse un día, -domingo por ejemplo- al cine, para caer en la cuenta de lo poco que gusta el cine que se hace en nuestra tierra, cuando hablamos de una constelación que carece de estrellas fulgurantes. Hemos sido invadidos. Amamos lo de fuera. Nuestra memoria ha sido impresionada, y vamos por los cines igual que quien recuerda un antiguo noviazgo y busca a aquella novia, americana, en las demás presentes. Nunca he sido un amante redomado de la industria del cine pero la promoción de un tráiler, si se realiza bien, enamora a cualquiera.

Antonio Martín de las Mulas

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Un año antes de que Celda 211 “revolucionase” el subgénero carcelario y, de paso, acaparase todos los elogios; Belén Macías ya había experimentado qué era eso de rodar una película que tuviera como elemento básico una prisión. Basándose en hechos reales, Macías cuenta la historia de un grupo de reclusas que deciden crear el grupo de teatro “Módulo 4”, bajo la supervisión de Mar, una funcionaria de prisiones, con grandes ideales, interpretada por Candela Peña.

Con esta “excusa”, la directora nos presenta la historia de varios personajes marginales, todos ellos verdaderos estereotipos carcelarios (la propia directora lo reconoce). De esta forma, tenemos a la clásica yonki, a la gitana, a la lesbiana macarra, a la novata asustadiza y en este caso colombiana, a la prostituta, a la narco…

La protagonista, sin duda, es Verónica Echegui (la Juani, para que nos entendamos) que da vida a Isa, una reclusa yonki y atracadora de bancos, incapaz de vivir en sociedad, de adaptarse a este mundo, y por lo que acaba, más tarde o más temprano, en la cárcel una y otra vez. La película se centra en ella y Echegui “devuelve el favor” con una interpretación soberbia, que viene siendo lo mejor de esta cinta española, sin olvidar a Ana Wagener, en el papel de la gitana Dolores. Las dos fueron nominadas a los Goya en las categorías de Mejor Actriz Principal y Mejor Actriz Revelación, respectivamente.

Pero el hecho de que la película se centre en Isa, hace que Macías olvide contarnos otras historias por las que pasa de puntillas. De esta forma, personajes con gran fuerza pasan prácticamente desapercibidos como, por ejemplo, la propia Dolores, Ajo, una chica enamorada de otra prisionera que no corresponde a su amor; Rosa, una prostituta; o Mar, la funcionaria que experimenta un gran cambio de personalidad durante el film.

Esta película fue nominada a cuatro premios Goya (a los dos ya mencionados Mejor Actriz Principal y Mejor Actriz Revelación, hay que unir el de Mejor Director Novel y el de Mejor Canción por “Podemos volar juntos”), aunque no consiguió ninguno. Quizá se debe al simple hecho de que la película comienza muy bien, presentando historias muy interesantes, pero que no termina de arrancar. Se queda coja, a pesar del buen material que tenía la directora. Además, intenta buscar la emoción a cualquier precio (incluyendo un “superdrama” final manifiestamente mejorable). Probablemente, la escasa experiencia de la directora, recordemos que éste fue su debut en lo que a largometraje se refiere, puede ser la causa de una película con una buena idea, retomando ese cine comprometido con la realidad social, pero que no profundiza en la reflexión

Por lo demás, el apartado técnico es correcto, la banda sonora es apropiada y, como no podía ser de otra manera al tratarse de una película española, tiene también sus desnudos integrales sin venir a cuento. Mi puntuación: 6,5

El cineasta italiano Paolo Sorrentino presentó su primera película, L’uomo in piu, en 2001. Tres años después llegó la segunda, Le conseguenze dell’amore, que hizo que me enamorara definitivamente de este gran director. La fotografía e interpretación por parte del reparto son impecables, a las que hay que sumar un argumento apasionante, lleno de suspense y que se desmarca del género típico de "mafia" para acercarse a una historia con pinceladas de cine negro y thriller, y una increíble y adecuada banda sonora, prueba del gran gusto musical del director. La película, presentada en el Festival de Cannes, ganó el año siguiente varios premios de cine como el David de Donatello y el Nastro d’argento.

Después de una obra de tanta calidad, quizás muchos se esperaban una obra decepcionante. Paolo, en cambio, tras L’amico di famiglia del 2006, presentó en 2008 Il divo, una de las mejores películas italianas de los últimos años: se trata de una fotografía crítica y cruda, casi inquietante, de la situación política del país a principios de los años 90. La película se basó en hechos reales y cuenta con un argumento que gira en torno a un personaje político italiano, Giulio Andreotti. Los primeros minutos del Il divo son puros escalofríos acompañados, una vez más, de una banda sonora más que acertada.

Paolo ha empezado a trabajar ahora en su última creación, su primera película en inglés, protagonizada por Sean Penn junto a Frances Louise McDormand y Harry Dean Stanton. This must be the place, éste es el título del film, se ha empezado a rodar este agosto en Irlanda y cuenta la historia de una vieja estrella del rock de 50 años, Penn, que descubre ser el hijo de un prisionero deportado al campo de concentración de Auschwitz. El protagonista decidirá entonces ponerse en busca de los criminales Nazis que torturaron y mataron a su padre. A medida que ahonda en la investigación irá descubriendo muchos secretos sobre su familia. 
This must be the place se estrenará en 2011, ¡qué ganas de verla!

Reconozco que no suelo llevar altas expectativas cuando acudo a ver una película española. Y, menos aún, cuando se trata de cine de corte histórico. Sin embargo, si tengo que reconocerles que después de haber visto algunas imágenes de Lope –que se estrenará en septiembre- me encuentro con ganas de verla. Por muchos motivos.  Primero porque creo que en España hay grandes especialistas capaces de hacer buen cine. Segundo porque tenemos Historia de sobra para poder trasladarla a la gran pantalla; y, tercero, actores de suficiente solvencia para sacar adelante los papeles. Lo que al final me lleva  a pensar que, simplemente, los guionistas y directores no se atreven a hacer un tipo de cine que tiene que cargarse de aventuras y acción, pero también de rigor.

Sin embargo, parece que Lope aunará todo eso. O al menos eso se deduce de las primeras imágenes mostradas por la productora (Hispano Fox Film) Lope cuenta una historia novelesca sobre el genial Lope de Vega, mujeriego, artista, soldado y, finalmente, sacerdote, que puede acercar al genial autor de fines del XVI al gran público, que en gran medida lo odia en recuerdo de su periodo escolar.

El papel principal  recae en Alberto Ammann, quien ya destacase en Celda 211. Junto a él, viejos conocidos de la escena española: Juan Diego, Luis Tosar–que no es santo de mi devoción en lo personal, pero que actoralmente es de lo mejor que ha dado el cine español-, Pilar López de Ayala o  una Leonor Watling, que tan poco se prodiga últimamente en la gran pantalla.

Sólo me asalta una duda: la dirección recae en el brasileño Andrucha Waddington, completo desconocido en España. Pero que, con tan solo siete películas a sus espaldas y ninguna de ellas estrenada en castellano, ha recibido el aplauso de la crítica en festivales tan prestigiosos como Cannes.

Por mi parte, le daré un voto de confianza a la película y acudiré a verla con alegría y esperanza. Quizá, después de mucho tiempo, nos encontremos ante una buena película histórica española. Solo rezo para no tenga nada que ver con la grandiosa comedia (debía ser una comedia de Serie B) La conjura de El Escorial.

Este texto es una colaboración de Javi Fornell

“Teniente corrupto” (Bad Lieutenant: Port of Call New Orleans, 2009) se estrenó recientemente en España.

Esta entrega es el remake de la película de mismo título que en 1992 rodara Abel Ferrara. Con todo, estamos ante una versión con identidad propia gracias a la mano de uno de los mejores directores europeos vivos: Werner Herzog.

“Teniente corrupto” es un thriller policíaco acelerado y anfetamínico del que se recordarán pocas cosas más allá de la actuación de Nicolas Cage en el papel de Terence McDonagh, el teniente de policía que busca hacer el bien recorriendo el camino de todos los caminos del vicio y el pecado.

Herzog nos sumerge en una Nueva Orleans asilvestrada tras el huracán Katrina, y así, las alucinaciones psicotrópicas del teniente protagonista encuentran el escenario perfecto en los bajos fondos de una ciudad convaleciente de escombros y reptiles.

Completan el reparto Eva Mendes y Val Kilmer.

Ya conocemos otro de los intérpretes que concursarán en la entrega de Capitán América que se avecina. Y es que Sebastian Stan se pondrá en la piel de Bucky Barnes.

La cinta, titulada “The first Avenger: Captain America“,  será dirigida por Joe Johnston, que se pondrá por detrás de las cámaras a partir de este verano en localizaciones de Europa. El estreno en Estados Unidos está previsto para el mes de julio del año próximo.

Sebastian Stan se presentó al casting para hacerse con el papel más goloso, el del mismo Capitán América, pero el interés no fue en balde, porque ahora le han llamado para formar parte del set de rodaje delante de las cámaras.

Por su parte, será Chris Evans quien encarne al superhéroe americano. Buck Barnes, de acuerdo con el cómic de Marvel, es el amigo y compañero de batallas del superhombre.

Otros actores que trabajarán en este film junto con Chris Evans y Sebastian Stan son Hugo Weaving y Samuel L. Jackson.

Se estrena en los cines de toda España el nuevo remake de “Furia de titanes” (Clash of the Titans). La original data  de 1981 y estuvo dirigida por Desmond Davis. Este refrito está tecnológicamente organizado por el francés Louis  Leterrier, que ya ha se puso al frente de filmes como la saga de “Transporter” (2002 y 2005) o “El increíble Hulk” (The Incredible Hulk, 2008).

La película está basada en el mito griego de Perseo, de modo que el estreno de Leterrier no es más que el refrito de una adaptación. Esta “Furia de Titanes” que se estrena tiene por actores principales a Sam Worthington (Perseo), Liam  Neeson (Zeus),  Ralph Fiennes (hades) y Alexa Davalos (Andromeda). Lo que está claro es que el reparto es cien por cien europeo. 

Esta adaptación aspira a cabalgar la ola impulsada por  “Avatar” y su revolución tridimensional, una parafernalia que en esta ocasión no está del todo conseguida. Y son casi dos horas de largometraje, por lo que esl suplicio puede ser torturante. Es curioso que en ambas películas haya participado el mago de los efectos especiales de la década de los setenta, Ray Harryhausen.